Teknoloji, sanat piyasasının lüks, finans ve bilim alanlarına doğru genişlemesini nasıl sağlıyor?

Son yıllarda ortaya çıkan çeşitli teknolojilerden blok zinciri, NFT'ler, akıllı sözleşmeler ve üretken yapay zeka, sanatın sertifikalandırılma, işlem görme, tazmin edilme ve yaratılma biçimini sistematik olarak değiştiriyor. Tamamen ayrı, doğal olarak dijital bir sanat dünyasının tasarlanmasına yardımcı olmakla kalmadılar, aynı zamanda sanatın temel öncülünü, sergilenecek bir nesneden işlem görecek bir jetona dönüştürdüler.

Miras sanat dünyası hala dijital Janus yüzüyle, yani “web3” olarak da bilinen NFT alanıyla yüzleşmeye çalışıyor. Önde gelen markaların yüksek kültürün damgasını veya “aurasını” aradığı bir zamanda, çağdaş sanat lüks endüstrisiyle birleşiyor gibi görünüyor. Yine de günümüz markaları, Roblox ve Fortnite oyun platformlarının sanal dünyalarında dijital şeyler satın almaya alışmış yeni nesil tüketicilerin farkında olarak, Yayoi Kusama gibi bilinen isimlerden olduğu kadar Sasha Stiles gibi dijital bozgunculardan da heyecan duyuyor.

Dijital sanatçının yeni kimliğini Ganbrood'dan daha açık bir şekilde ifade eden çok az kişi var (Bas Uterwijk), makine öğrenimiyle çalışan bir sanatçı olarak başarılı bir kariyer yapmış eski bir röportaj fotoğrafçısı ve Sony'nin sanat yönetmeni. Kendi başına üretken bir NFT koleksiyoncusu olan Ganbrood, sanat deneyimini piyasayla aynı akışkan terimlerle görüyor: “Gerçek şu ki, eserin nasıl sergilendiği gerçekten önemli değil. Soru, duvarınızda veya telefonunuzda bulunan bir şeye daha kolay bağlanıp bağlanmadığınızdır.”

Beeple'ın Everydays: the First 5000 Days (2021) adlı eserinin 69,3 milyon dolara satıldığı 2021'deki NFT patlamasından üç yıl sonra, büyük galeriler arasında yalnızca Pace Verso, NFT platformu ve jeneratif sanat pazaryeri Art Blocks ile ortaklığı aracılığıyla “kripto-yerel” koleksiyoncuları dahil etmek için bilinçli bir çaba gösterdi. Dünyanın önde gelen galerilerinin geri kalanı dijital inkar halinde görünüyor. Ancak net sanatçısı, bağımsız oyun tasarımcısı ve dijital heykeltıraş Auriea Harvey'in belirttiği gibi: “Günümüzde çoğu heykeltıraş, ressamların Photoshop ile çalışmalarını hazırlaması gibi bir tür dijital süreç kullanıyor. Bunda utanılacak bir şey yok.”

Kentucky Üniversitesi Hukuk Fakültesi'nde Spears-Gilbert Hukuk Profesörü olan Brian L. Frye'a göre, aynı şey koleksiyonculuk için de geçerlidir. “Geleneksel sanat piyasası da aynı şekilde çalışır [as the NFT market]” diyor. “Elbette, bir resim veya heykel satın alırsanız, resmi veya heykeli alırsınız. Ama bu alakasız. Sanat piyasası sahip olduğunuz nesneye değer vermez, nesnenin temsil ettiği şeye değer verir. Aslında satın aldığınız şey, bir sanatçının katalog raisonné'sindeki bir giriştir.”

Dağıtılmış bir defter teknolojisi (DLT) olarak, blok zinciri dijital sanat çağı için geleneksel sertifikasyon modunu günceller. Ayrıca, bir eserin nasıl göründüğüne bakılmaksızın, bir token tarafından onaylanması veya bir kripto para birimine yazılması gerektiğini gerektirerek farklı medya hiyerarşisine meydan okur. Sanatçı Mitchell F. Chan içinNFT'ler sanat eserinin “sanatsal biçimini” (medya) “meta biçiminden” (token) ayırır ve böylece sanatı şeffaf bir sanat-para biçimine dönüştürür.

Bu durum tarihsel emsalsiz değildir. Ortaçağ Bizans'ı ayrıca tüm sanat formlarına Kutsal Ruh'un iyileştirici gücünü damgalayan bir sembolik ekonominin gelişmesine tanıklık etti. Bu bağlamda, eserin boya, mozaik veya metalden yapılmış olması önemli değildi. Önemli olan, “kesik, bir kutsama eylemi olarak kabul edildiğinden” ilahi onay damgasını almış olmasıydı. 2021'deki NFT patlaması sırasında, Kutsal Ruh'un piyasanın canlandırıcı gücü olarak yerini abartıya bıraktığını hissetmemek zordu. O zamanlar, sanatçılar tarafından sıklıkla belirtilen dezavantajlardan biri, sanatın NFT'ler için OpenSea pazarına bırakıldıktan sonra değerlendirilmesi için eleştirel çerçevelerin olmamasıydı. Bu, PFP (profil resmi) projeleri gibi projelerle daha da kötüleşti KriptoPunklar (2017), hem koleksiyonluk hem de kod tabanlı üretken sanat olarak melez yapısıyla önceden var olan sanat kategorilerini istikrarsızlaştırdı.

Para konuşur

Günümüzün dijital sanat dünyası farklıdır. Nakit ihtiyacının çok fazla olmasına rağmen web3, sanatçıları dinleyerek piyasanın terimlerini yeniden tanımlamayı amaçlayan yeni yayınlar ve platformlar tarafından güçlendirilmiştir. Müzeler de kanonu genişleterek analog ve dijital medyanın yeni tarihleri ​​içinde kripto, jeneratif ve yapay zeka sanatına yer açıyor. Tate Modern'in yaklaşan gösterisi Elektrik Rüyaları (28 Kasım – 1 Haziran 2025) “optik, kinetik, programlanmış ve dijital sanatın” ilk yenilikçilerini ve bunların internet öncesi hayal gücüne olan etkilerini incelemeyi amaçlıyor. Para Konuşur: Sanat, Toplum ve Güç Oxford'daki Ashmolean Müzesi'nde (5 Ocak 2025'e kadar) kültürel temsilin bir aracı olarak para ele alınıyor ve paranın değeri her zaman bir anlamda hayali olmuştur.

Andy Warhol'un meta fetişizminin parodilerinden Dolar İşareti (1981) Meschac Gaba'nın enstalasyonuna Banka mı Ekonomi mi: Enflasyon Batı para birimini emperyal zorlama için bir çerçeve olarak ortaya koyan (2016), Ashmolean gösterisi “Dijital Sahiplik Çağı”na adanmış bir bölümle doruğa ulaşıyor. Sarah Meyohas, Larva Labs ve Rare Pepe Wallet'ın kripto sanat projelerini Joseph Beuys'un tahrif edilmiş banknotlarıyla (sonradan dolaşıma geri döndürdüğü) bir araya getirmek, tarihsel olarak ayrılmış iki sanat dünyasını bir araya getiriyor. Ayrıca, sosyolog Max Haiven'ın öngörülü çalışmasında ifade ettiği görüşünü de destekliyor Sanat Sonrası Para, Para Sonrası Sanat (2018), “sanat giderek daha fazla finansallaşıyor ve para daha fazla 'kültürel' hale geliyor”. Edebiyat sanatçısı Ana María Caballero ile geliştirdiğim Ashmolean sergisi için projemizin yerel bir edisyonu eserler (2023-devam ediyor) İngiliz İç Savaşı sırasında Kral I. Charles tarafından bastırılan Oxford Crown'a yanıt olarak.

Ancak sanatın genişlemesi sadece finansın sınırında belirgin değildir. Başlangıçta Eden Projesi tarafından sipariş edilen Alexandra Daisy Ginsberg'in Tozlayıcı Yol Gösterici (2021-devam ediyor) maksimum sayıda polinatör türünü destekleyen “canlı sanat eserleri” için ekim tasarımları üretmek için algoritmik bir araçtır. Ginsberg izleyicilere doğal ekosistemlerle empati kurma araçları (ve ekim talimatları) sunar. Ancak sanatı bilgisayar bilimi ve ekolojiyle birleştirerek, insan ötesi bakış açılarıyla birden fazla disiplini çapraz gübreleyen uygulamalara doğru daha geniş bir hareketi de yansıtır.

Geçtiğimiz yıl, yazar ve eleştirmen Charlotte Kent şu anda en ilginç sanat eserlerinden bazılarının daha çok spekülatif tasarıma benzediğini öne sürmüştü. Ginsberg, disiplini kuran ve transmedya olarak tanımlanabilecek bir sanat pratiği geliştiren Anthony Dunne ve Fiona Raby'nin tek eski öğrencisi değil. Marguerite Humeau, Xin Liu ve Sputniko! (Hiromi Ozaki) hepsi Dunne ve Raby'nin çalışmalarındaki etkisini kabul ediyor, gücü kısmen ortaya çıkan teknolojilerin güvenli bir şekilde düzenlenmesinden kaynaklanıyor. Holly Herndon ve Mat Dryhurst, yapay zekayı bir “koordinasyon teknolojisi” olarak kullanan uygulamalarını tanımlamak için “protokol sanatı” terimini tercih ediyor. Yaklaşan projeleri için, Çağrı4 Ekim'de Londra'daki Serpentine Galerileri'nde açılacak olan proje kapsamında, İngiltere'nin dört bir yanından 15 toplulukla iş birliği yaparak, rızaya dayalı yapay zeka sistemleri oluşturmak için gerekli olan iş birliği sürecini inceleyen bir koro veri seti geliştirdiler.

Sanatçı tarafından geliştirilen yeni teknolojiler

Sanatçılar ayrıca kendi geliştirdikleri teknolojileri de paylaşıyorlar. Ekim ayında, Opéra de Paris ev sahipliği yapacak Coddess ÇeşitleriHeykeltıraş Hermine Bourdin, dansçı Eugénie Drion, film yönetmeni Hervé Martin Delpierre ve sanatçı ikilisi Operator'dan koreograf Ania Catherine'in işbirliğiyle ortaya çıkan bir çalışma.Performans, hem bir dizi oluşturan hem de izleyicinin koreografiyi bir NFT biçiminde toplamasına olanak tanıyan Operator'ın üretken koreografi yöntemini kullanıyor. Catherine için, “dans ve çağdaş sanat gibi geçici sanat biçimleri arasında kültürel köprüler kurmak önemlidir. Bir dansın toplanabileceği fikri, insanların çağdaş sanat olarak kabul edilip edilmediğini ve eğlence ve geleneğin ötesinde değerlendirilip değerlendirilmediğini yeniden düşünmelerine neden olabilir”.

Ortak yaratım, sanatın giderek daha fazla ağ oluşturan karakterini yansıtıyorsa, yazar ve küratör Jesse Damiani'nin “Postreality” olarak adlandırdığı bir bağlamda küratörler için de önemlidir. Damiani'ye göre, “küratörün Postreality'deki ilk hedefi, sanatın ötesindeki bilgi alanlarıyla eleştirel bir şekilde etkileşime girmek … çok yönlü bilgi paylaşımına izin veren güven ağları kurmaktır”. Sınırlarının yeni dijital coğrafyalarda yeniden çizildiği bir anda, sanatın en büyük varlığı olabilecek sınır düşüncesi için bir alan rolü vardır.